内森·纳博 博士
当我们谈到音色时，通常会使用两种不同方式来形容。使用比喻（深、亮、温暖、冷、饱满、薄等等）或用基本声音的构成条件（音准、清楚、平均、连接性、同质的等等）来形容。无论是用哪一种形容法，都存在着不同的缺点。但这些形容词给了我们很重要的概念：留心细节、适当的基本声音构成条件、听觉的想像等等。学生常常被要求要「找到」或「发展」出自己的声音。老师给了大量的练习曲，请学生回琴房练习，接着学生就「撞墙」了。
为什么呢？
当然有很多原因会令学生很想撞墙，其中一个最大的原因是因为初学的学生常常不知道要怎么「听」。对于音乐比较没有明确的想法，无法分辨成熟的音乐与未发育完全的音乐的差别。这就显现出我们所要讲的重点：你的耳朵要比你的演奏能力好。因为如果你没办法正确地「听」，那你就没有办法修正自己的演奏。
我们参考了优秀的小号演奏家克拉克·泰瑞（Clark Terry）在这个方面所提出的一些原则。他说在学习即兴的时候，应该要「模仿、消化、创新」。对于发展出自己的声音，我们把这个原则稍微改变一下，变成「四个‘I’」：调查（Investigate）→模仿（Imitate）→融合（Integrate）→创新（Innovate）。以下我们将会解释这些概念与发展出自己的声音有什么关系。
1. 调查（Investigate）
事实上，我自己和正在阅读这篇文章的你，其实都曾经是那位我第一段所提到很想撞墙的学生。我大一时带着雄心壮志与热情进入伊利诺大学，非常幸运地能在黛博拉·瑞特迈耶（Debra Richtmeyer）教授门下学习。在萨克斯风界，黛博拉·瑞特迈耶教授真的是一位大师级老师，她的任何一位学生都可以证明这件事。虽然在她的带领之下，我在很多部分都进步神速，但还是对一些地方感到困扰：我知道我的音色还不够好。我和教授讨论这件事，她鼓励我多听音乐，不要只听萨克斯风音乐，还要多涉略其他乐器与有名音乐家的演奏。我采纳了她的建议，花了好多个小时在图书馆听了很多很棒的录音。
借由这个「调查」，我变得越来越能分辨这些录音的不同，在听音乐时也开始对自己提出一些问题。我喜欢他们的音色吗？他们的音色纯吗？圆润吗？是暗还是亮？我喜欢他们的颤音（vibrato）吗？他们的颤音是灵活又有表现力的吗？有多快？在这个风格的音乐下适合吗？我喜欢他们的发音音头（articulation）吗？我能在音乐中听见他们舌头移动的声音吗？是很脆的吗？是平顺且一致的吗？音乐家对于此音乐风格诠释正确吗？这个问题清单可以列好长一大串。最重要的是，当我们常常在听音乐时问我们自己这些问题，这些问题也就成为了我们的「导聆」，也就慢慢地培养了我们对于音乐的洞察力，进而发展成有辨别力的耳朵。这个识别力能帮助我们建构属于自己的审美观，而这些问题也能应用在演奏上，引导我们在音乐上的成长和发展。
2. 模仿（Imitate）
那要如何处理我们在「调查」过程中所得到的资讯呢？从「逆向」开始！这个可能听起来很不合逻辑，但这是我们在这个学习过程中对我们最有帮助的事。其实就是决定某些人的演奏中有哪些部分是我不喜欢的？然后试着去模仿那些不喜欢的声音。当你还不完全确定你想要什么声音的时候，你可以从「知道不想要什么」下手。透过这个模仿不喜欢的声音的过程，你可以排除那些不明智的演奏方式。经过这个排除法，声音一定会慢慢地变更成熟。从长远的好处来看，这也能转变成一个教学方法，当我们能辨别并模仿出到底是什么原因造成这样的声音，你就能很有效率地帮学生解决问题。我每个星期在帮学生上课的时候也都会模仿学生们所吹出的声音。
3. 融合（Integrate）
奥斯汀·克隆（Austin Kleon）写了一本书《点子都是偷来的：10 个没人告诉你的创意撇步》（Steal Like an Artist）。里面对于如何成为一位有创造力的人提供了很多想法。他在书中列了一个重点建议清单，其中一个建议是「创意其实是一种减法」，我觉得这个建议特别适合用在这里。当已经模仿且也决定好关于其他音乐家对于他们的乐器与音乐的诠释你喜欢与不喜欢的部份后，就可以在自己的演奏上开始进行整合或「消化」。这并不是说你应该要以某个特定的人当作典范。事实上，我会强烈地反对这样做。如果你只以某个特定的人当作榜样，那你并不是在寻找自己的声音，而只是在复制别人的声音。就像任何东西的复制品一样，品质可能会降低或「失真」。
最好做到融合的方法就是先从基本练习开始。你知道的，就是那些你应该要多练习的，像是：长音、音阶、不同的点舌组合、送气、揉音练习等等，把练习的过程录下来。然后问问自己在「调查」阶段时听其他乐器演奏家的演奏时会问的那些问题。当你能这么仔细且有批判力地去聆听自己的基本练习，你的练习过程将会立刻变得很有效率，也会有比较好的成果。这就是所谓的「有辨别力且有目的的练习」。我们也将能从肌肉知觉方面理解如何吹出好声音：把这个「声音」和特定的「感觉」连结在一起。
在这个过程中，把自己的吹奏录音下来是成功的关键。我自己到现在还是会在练习时把自己的练习过程录音起来。当你在一边吹奏时很难真的能一边听到你自己的吹奏成果，并以客观的角度来做出批判。约翰·凯吉（John Cage）特别把这点简单地列在给Merce Cunningham dance studio 的清单上：不要试着一边创造一边分析，他们是两个不同的步骤。（Do not try to analyze and create at the same time. They are different processes.）
4. 创新（Innovate）
有稳固的技巧和音乐才能后，我们就可以在演奏音乐时加上只属于自己的特色，也就是「创新」。我们可以很容易地建立起一个练习方式，把基本练习和音乐性合并在一起，在演奏时除了要有好的控制力，也要能强调出「表情」。我常给学生的一个练习是：请学生吹一个长音，然后请学生在这个长音加上一两个表情记号。透过这个练习，我们可以调整发音音头的质量、音量的大小、颤音的速度与幅度、呼吸的控制，以及如何把以上这些合并起来好好地控制。这一整个练习打破了很多学生对于练习技巧和音乐性的想法（很多学生总是把技巧和音乐性「分开」来练）。
以下举例来说：
这两张图很常在基本练习教材中看到，但我们其实很少真正地练习这个「组合」。很多学生在吹长音时就只是吹长音，并没有准确地把表情记号做出来。我认为能确切地做好这个练习，是比较进阶的学习，也是找到自己声音的第一步。最后，我们对声音的概念与诠释取决于我们如何把以上所有的步骤都整合起来。
撰文：内森·纳博博士 Dr. Nathan Nabb
翻译：杨佳谕 Jia-Yu Yang
内森•纳博教授介绍
内森·纳博博士作为一位世界知名萨克斯管演奏家，活跃于北美、欧洲、亚洲和澳洲的音乐会舞台，举办了众多独奏、室内乐和管弦乐协奏音乐会。作为一名管弦乐演奏家，纳博教授正在与圣路易斯交响乐团和休斯顿交响乐团合作演出，并曾经与明尼苏达管弦乐团、新世界交响乐团、IRIS室内管弦乐团和辛辛那提室内管弦乐团合作。近期纳博教授与圣路易斯交响乐团和休斯顿交响乐团合作，在欧洲巡回演出包括协奏曲在内的管弦乐作品，足迹遍及BBC音乐节、柏林音乐节、克拉拉音乐节和皇家阿尔伯特音乐厅、普雷耶音乐厅、柏林爱乐厅、柏林音乐厅、维也纳音乐厅、易北爱乐厅等。
纳博博士经常以独奏家身份举办音乐会，近期受邀的独奏音乐会遍及北美和亚洲。他曾作为特邀演奏家，在2015年北美萨克斯管联盟会议上演奏协奏曲，曾受邀在世界萨克斯管大会、北美萨克斯管联盟、美国海军管乐队萨克斯管研讨会上演奏，并在美国、法国、日本、西班牙、希腊、挪威、加拿大、中国大陆以及台湾地区的著名音乐学府和萨克斯管工作坊举办音乐会。BIS、Innova、Myrios Classics、Pentatone、Teal Creek、AMP唱片公司曾为他录制专辑。
纳博博士是Oasis萨克斯管四重奏的高音萨克斯管演奏家。Oasis萨克斯管四重奏是一个享有国际声誉的组合，在全世界举办了许多专场音乐会和协奏音乐音乐会，并与众多管弦乐团和管乐团有过合作演出。他们发行了收录Glass、Gotkovsky和Escaich作品的同名专辑。作为当代音乐的支持者，Oasis四重奏除了参与许多当代音乐作品的首演，同时还着力于各种音乐风格的诠释和室内乐的改编。
纳博博士是史蒂芬·奥斯汀州立大学（Stephen F.Austin State University）萨克斯管教授、音乐学院副主任，重庆师范大学（Chongqing Normal University）萨克斯管客座教授。他的学生在各种独奏和室内乐比赛中获奖颇丰，并定期参加北美萨克斯管联盟举办的各类音乐会。
纳博先后在美国西北大学获得了音乐硕士和音乐博士学位，师从于世界著名萨克斯管演奏家、教育家弗雷德里克•汉姆克教授。他在伊利诺伊大学香槟分校获得了他的学士学位，师从于黛博拉•里奇梅耶教授。
纳博博士是D’Addario和 Selmer艺术家，并使用D’Addario哨片和Selmer萨克斯管演奏。
